O Que Aprendi Observando Compositores Que Criaram Linguagens Próprias
- Rafael Piccolotto de Lima
- há 2 dias
- 5 min de leitura
Atualizado: há 1 dia
Ao longo dos anos, uma pergunta passou a me interessar cada vez mais.
O que alguns artistas têm em comum apesar de produzirem músicas completamente diferentes entre si?
Quando penso nos compositores que mais me marcaram, encontro nomes como Villa-Lobos, Tom Jobim, Moacir Santos, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti, Bob Brookmeyer, Maria Schneider e Vince Mendoza.
À primeira vista, eles parecem pertencer a universos distintos.
Alguns atuaram principalmente na música de concerto. Outros ficaram associados à canção popular, à música instrumental brasileira, ao jazz ou às grandes formações. Trabalharam em épocas diferentes, responderam a problemas artísticos diferentes e construíram trajetórias muito particulares.
Ainda assim, existe algo que sempre me chamou atenção ao observar suas obras.
Nenhum deles parece ter dedicado a própria vida a ocupar um espaço já existente. Cada um construiu um território próprio e, mais do que criar obras marcantes, acabou desenvolvendo universos musicais capazes de influenciar outros músicos, outras gerações e, em alguns casos, movimentos inteiros.
Quando Uma Linguagem Se Torna um Mundo
Villa-Lobos é um exemplo evidente desse fenômeno.
Sua obra dialoga profundamente com a tradição sinfônica europeia, mas não parece interessada em reproduzi-la. A partir desse diálogo, construiu uma linguagem própria que ajudou a estabelecer um imaginário sonoro associado à própria música de concerto brasileira.
Tom Jobim realizou algo semelhante em outro contexto.
Dialogando com a canção brasileira, com o jazz e com influências da música erudita do século XX, desenvolveu uma linguagem que não apenas produziu grandes obras, mas ajudou a definir o centro gravitacional de um movimento cultural inteiro.
Tanto em Villa-Lobos quanto em Jobim, o que me chama atenção é a capacidade de transformar uma visão artística em uma linguagem reconhecível, capaz de continuar influenciando a maneira como outras pessoas pensam música muito depois de suas obras terem sido criadas.
O mesmo fenômeno aparece em Moacir Santos, Hermeto Pascoal e Egberto Gismonti.
Os três partiram de referências brasileiras, mas chegaram a lugares completamente diferentes.
Moacir desenvolveu um universo musical cuja lógica interna continua soando singular décadas depois. Hermeto expandiu continuamente as fronteiras entre composição, improvisação, experimentação sonora e tradição popular. Egberto construiu uma linguagem instrumental que dialoga simultaneamente com a música brasileira, a música de concerto, práticas virtuosísticas e referências culturais diversas sem perder sua identidade.
Nenhum deles seguiu exatamente o mesmo caminho nem produziu uma versão pessoal de uma estética já consolidada. Cada um construiu um mundo próprio que, com o tempo, passou a ser habitado por outras pessoas.
A Criação de Centros Gravitacionais
Com o passar dos anos, comecei a perceber que alguns compositores acabam produzindo algo maior do que um catálogo de obras.
Eles criam referências, maneiras de pensar e perguntas que continuam sendo exploradas por outros músicos muito depois de sua formulação original.
Esse processo também me chama atenção em compositores ligados ao universo das big bands e das grandes formações.
Bob Brookmeyer foi uma figura central nesse sentido.
Seu trabalho como compositor, arranjador e educador ajudou a expandir profundamente as possibilidades da escrita para big band. Mais do que influenciar repertórios específicos, influenciou formas de pensar desenvolvimento musical, estrutura e narrativa.
→ Leia também: A BMI Jazz Composers Workshop e os Desafios de Desenvolver Música Autoral para Big Band
Maria Schneider representa uma continuação e ao mesmo tempo uma expansão dessa linhagem.
Através de uma linguagem extremamente pessoal, desenvolveu uma sonoridade e uma abordagem para grandes formações que influenciaram uma geração inteira de compositores e arranjadores.
Vince Mendoza seguiu um caminho diferente, mas igualmente singular.
Ao longo de sua trajetória, construiu pontes entre música popular, música de concerto, jazz e tradições internacionais. Seu trabalho demonstra uma capacidade rara de integrar universos musicais distintos sem que eles percam suas características individuais.
Mais uma vez, o que aparece não é apenas um conjunto de obras, mas a construção de mundos musicais que passam a influenciar outros criadores.
Alguns desses artistas alcançaram enorme projeção pública, enquanto outros permaneceram associados a nichos relativamente específicos. Em ambos os casos, suas obras se tornaram polos gravitacionais para outros criadores.
O Que Isso Mudou na Forma Como Enxergo Criação Artística
Quanto mais observava esses compositores, menos me interessava a ideia de linguagem como uma questão puramente estilística.
O que me chamava atenção era a construção de uma visão.
Uma visão capaz de orientar centenas de decisões criativas ao longo de décadas, atravessar diferentes obras sem se tornar repetitiva e explorar novos territórios sem perder identidade.
Ao longo dos anos, essa percepção influenciou profundamente a maneira como passei a enxergar meu próprio trabalho.
Nunca me interessou particularmente a ideia de permanecer dentro de um único território musical.
Os projetos que mais me mobilizaram quase sempre nasceram em regiões de encontro: entre música brasileira e jazz, entre improvisação e escrita, entre pequenas formações e grandes ensembles, entre música popular e música de concerto, entre composição, arranjo, direção musical e colaboração artística.
→ Leia também: O Que Aprendi Sobre Música Brasileira Construindo uma Carreira Entre Brasil e Estados Unidos
Ao olhar para trás, percebo que muitos dos projetos que desenvolvi surgiram justamente da curiosidade em explorar o que acontece quando esses universos entram em contato. Não para dissolver suas diferenças, mas para descobrir quais possibilidades surgem a partir delas.
É por isso que continuo retornando à obra desses artistas.
Não porque eles ofereçam respostas prontas.
Mas porque lembram que a construção de uma linguagem não acontece através da busca por uma identidade artificial nem pela tentativa de reproduzir aquilo que já existe.
Ela surge da convivência prolongada com determinadas perguntas e da disposição de seguir essas perguntas mesmo quando elas conduzem para territórios ainda pouco explorados.
Vivemos em um momento em que nunca foi tão fácil reproduzir modelos existentes, reconhecer padrões consolidados ou seguir caminhos já validados.
Justamente por isso, continuo encontrando inspiração em artistas que fizeram o movimento contrário.
Em vez de se aproximarem do centro, expandiram suas margens.
E, ao fazer isso, criaram universos capazes de influenciar gerações inteiras de músicos.
Continue explorando
→ Escrevendo Música Brasileira para Orquestra: Entre a Música Popular, o Jazz e a Música de Concerto
Sobre o Autor
Rafael Piccolotto de Lima é compositor, arranjador, diretor musical e educador. Além de sua atuação artística, desenvolve atividades de ensino, mentoria e formação de músicos nas áreas de composição, arranjo, criatividade musical e desenvolvimento artístico.
Comentários