Os Fundamentos da Criação Musical: Uma Abordagem Holística para Compositores

Enquanto educador e eterno estudante, questiono-me sobre o que torna um músico mais completo e preparado para navegar pelo universo musical, participando deste mundo artístico de maneira proficiente. Quais são os fundamentos da criação musical?

Essa é uma pergunta que já recebi diversas vezes de alunos. Por isso, resolvi escrever este blog para sintetizar alguns conceitos importantes, na esperança de que seja útil para repensar nossa trajetória educacional na música.

Uma formação musical sólida, que facilite nossa evolução enquanto criadores, passa obrigatoriamente por três pilares principais: conhecimento, observação e prática. Além destes, trago ainda dois elementos complementares que são fundamentais nesta jornada.

1 - Conhecimento: teoria musical

Compositores e arranjadores devem dominar a gramática da música, suas práticas e técnicas. A leitura e a escrita musicais são ferramentas essenciais nesse processo — elas facilitam transformar ideias em som.

Aprender a tocar saxofone, por exemplo, exige compreender como posicionar o instrumento na boca, controlar a coluna de ar e usar os dedos com precisão para produzir cada nota. Da mesma forma, criadores musicais devem estudar as diversas áreas da teoria musical, como harmonia, contraponto e orquestração.

Esse corpo de conhecimento, desenvolvido ao longo de séculos, vem sendo transmitido de geração em geração por meio de livros, vídeos e outras formas de ensino. Aproveitar esse legado e incorporá-lo à prática diária é de valor inestimável.

2 - Observação: repertório consciente

A música é uma linguagem, e cada gênero possui seu próprio sotaque. Um vocabulário musical extenso, combinado com a sabedoria de como utilizá-lo, é extremamente valioso. Para desenvolver essa consciência, é fundamental observar a teoria na prática e compreender o que ouvimos. Nesse contexto, duas áreas importantes do estudo musical são a percepção e a análise.

Todo conhecimento e teoria surgem da observação. Este conhecimento é uma compilação do entendimento da realidade, formatada para o ensino. Portanto, observar e ouvir gravações, estudar os grandes mestres e entender como as coisas foram feitas são atividades essenciais. Imitar esses mestres é uma parte significativa do aprendizado.

Como instrumentista, por exemplo, você deve tentar replicar o som, o fraseado, a articulação, a interpretação de um músico que admira; essa é uma prática enriquecedora. Comparar as interpretações de diferentes músicos e tirar suas próprias conclusões ajuda a aprofundar sua compreensão.

Como compositor ou arranjador, observar como grandes criadores estruturam suas músicas e utilizam diversas técnicas de escrita é crucial. É importante entender como eles criaram obras coesas, emocionantes e relevantes.

Diferente do estudo teórico, esse processo pode ocorrer de forma menos formatada, permitindo que cada indivíduo processe essas informações - direto da fonte - de maneira única. Devemos observar os mestres e aprender de maneira empírica.

3 - Prática: o processo criativo

Conhecer, pensar e observar não são suficientes; é preciso agir.

É essencial colocar a mão na massa e praticar para que as informações acumuladas se solidifiquem através da nossa experiência musical. Essa prática não apenas desenvolve nossas habilidades, mas também retroalimenta nosso processo de observação e a busca por mais conhecimento.

O ato de criar é essencial! Saber como usar a teoria musical e o repertório como ferramentas para a criação é fundamental. Sem essa experiência e prática, não podemos nos considerar verdadeiros criadores. Sem a habilidade e a coragem de vivenciar o processo criativo, tornamo-nos apenas teóricos musicais.

Outros dois fatores determinantes

Além dos três pilares fundamentais mencionados anteriormente, dois elementos complementares são essenciais para o desenvolvimento e aprimoramento das habilidades dos criadores musicais: feedback e motivação.

A. Feedback

O feedback, tanto o próprio quanto o externo, desempenha um papel crucial no processo de aprendizado.

O feedback próprio refere-se à autoavaliação do nosso trabalho. Ao criarmos um arranjo, por exemplo, utilizamos nossas ideias, conhecimentos e inspirações, colocando nossa alma e coração na música. Após uma apresentação ou ensaio, é importante ouvir o resultado e analisar o que funcionou e o que não saiu como esperávamos. Essa reflexão nos permite identificar trechos que podem ser aprimorados.

Por outro lado, a avaliação externa é igualmente valiosa, especialmente quando provém de um mentor ou professor que deseja nosso crescimento. Essa pessoa observa nosso trabalho e, com seu conhecimento e experiência—idealmente superiores aos nossos—, aponta aspectos a serem revisados ou qualidades a serem mantidas e enfatizadas. Muitas vezes, há elementos que não conseguimos perceber em nosso próprio trabalho, e uma visão externa pode nos ajudar a identificá-los.

B. Motivação

O ditado “Quando não se sabe para onde vai, qualquer caminho serve” ilustra a importância de ter objetivos claros. Sem uma direção definida, é difícil avançar em nossa jornada musical.

Cultivar um estado mental que favoreça o desenvolvimento é essencial. Ter sonhos e aspirações é fundamental para nos motivar e impulsionar. Sem esses objetivos, corremos o risco de “andar em círculos” e não chegar a lugar nenhum.

Uma estrutura sólida - o que acontece na falta de um pilar?

Por fim, vale observar que todos esses princípios se retroalimentam. É um ciclo de elementos que sustentam nosso crescimento musical. Em contrapartida, a falta de um desses pilares pode dificultar sua evolução e impedir que você construa seu legado artístico. Vamos explorar o que acontece se excluímos um desses pilares.

Se pensarmos na ausência do conhecimento teórico, temos a figura do autodidata que não busca esse conhecimento e aprende apenas na tentativa e erro. Ele não teve um mestre, não leu livros e tenta adivinhar através da observação. Isso pode funcionar, mas muitas vezes se torna um limitador. Sem o embasamento teórico, pode-se não enxergar todas as possibilidades, entender certas coisas de forma equivocada, ou desenvolver vícios na prática.

Outro exemplo é a falta de repertório consciente e de observação. Alguém pode ter todo o conhecimento teórico, mas se não observar como a música é feita, como os grandes mestres criaram, pode acabar reproduzindo apenas o aspecto técnico. Isso tende a resultar em um trabalho mais duro e engessado, sem elementos subjetivamente importantes que muitas vezes não são quantificáveis ou explicados em métodos. Muitas das nuances só podem ser aprendidas através da audição e da observação.

E se a prática estiver ausente? Imagine um músico que não pratica, não treina e não ensaia. Ter conhecimento e observar, mas não praticar, não leva a lugar algum. Um profissional assim nunca evoluirá e mal conseguirá tocar. Isso também se aplica a compositores e arranjadores: não adianta ficar pensando em música e teoria, estudando harmonia e contraponto, se não se dedicar a compor ou arranjar. O desenvolvimento não ocorrerá.

A falta de feedback—seja pessoal ou de um mentor—pode nos levar a ciclos viciosos, com problemas que não percebemos e uma mentalidade fechada. Em contrapartida, um ciclo virtuoso com feedback realista nos permite entender melhor o que está funcionando, afirmando nosso caminho, além de identificar áreas que precisam de mais atenção para melhoria. Esse entendimento nos ajuda a ver novos caminhos, fazer novas escolhas, buscar novos conhecimentos e criar novas práticas.

Por fim, a falta de objetivos e motivação aumenta o risco de ficarmos parados, dando voltas em círculos ou até mesmo desistindo de continuar.

E você, está com seus pilares musicais sólidos?

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Rafael Piccolotto de Lima - Compositor, arranjador, diretor musical, produtor musical e educador

Sobre o autor

Rafael Piccolotto de Lima foi indicado para o Grammy Latino como melhor compositor erudito. Ele é doutor em composição de jazz pela Universidade de Miami e tem múltiplos prêmios como arranjador, diretor musical, produtor e educador.

Suas obras foram estreadas e/ou gravadas por artistas como as lendas do jazz Terence Blanchard, Chick Corea e Brad Mehldau, renomados artistas brasileiros como Ivan Lins, Romero Lubambo, e Proveta, e orquestras como a Jazz Sinfônica Brasileira, Orquestra Sinfônica das Américas e Metropole Orkest (Holanda).