O Que Acontece Quando Deixamos de Valorizar o Processo?

Recentemente assisti a uma entrevista com Mikey Shulman, CEO da Suno, plataforma de geração musical por inteligência artificial, que me fez refletir. O argumento apresentado era que a maioria das pessoas não gosta realmente do processo de fazer música.

Aprender um instrumento leva anos de prática. Estudar teoria musical exige dedicação. Dominar um software de produção demanda tempo e esforço. Se um prompt pode produzir o resultado desejado, por que passar por tudo isso?

O que me chamou atenção foi a maneira como essa ideia enquadra a criação artística. Nessa perspectiva, aprender um instrumento, estudar composição ou desenvolver habilidades criativas deixa de ser parte do valor da experiência e passa a ser apenas um obstáculo entre uma intenção e um resultado.

Foi esse pressuposto que me fez voltar a uma pergunta antiga: afinal, o que exatamente estamos valorizando quando valorizamos uma obra?

Quando Ouvi Essa Discussão Pela Primeira Vez

Durante minha graduação, há cerca de vinte anos, tive contato pela primeira vez com as reflexões de Walter Benjamin sobre a chamada aura da obra de arte.

Na época, a discussão aparecia associada principalmente às transformações provocadas pela fotografia, pelo cinema e pelas tecnologias de reprodução. Uma pintura precisava ser vista presencialmente. Uma apresentação musical existia apenas naquele momento. Uma obra de arte carregava uma relação especial com o tempo, o espaço e sua própria singularidade.

As tecnologias de reprodução alteraram profundamente essa dinâmica. Uma gravação podia ser ouvida milhares ou milhões de vezes em diferentes lugares do mundo. A experiência artística deixava de depender da presença física diante da obra ou da performance.

Ainda assim, algo permanecia relativamente inalterado: a criação continuava sendo escassa. A distribuição mudava, o acesso mudava e a circulação das obras mudava, mas sua existência continuava dependendo de pessoas dispostas a dedicar parte de suas vidas para criá-las.

Estamos diante de uma transformação diferente. Pela primeira vez passamos a conviver, em larga escala, com formas de produção cultural que já não dependem da criação humana da mesma maneira.

Não Se Trata de Acesso

Antes de continuar, vale separar algumas discussões que frequentemente aparecem misturadas. Uma delas diz respeito ao acesso às obras culturais. Outra diz respeito ao acesso ao conhecimento, às ferramentas e ao desenvolvimento das habilidades necessárias para criar. E existe ainda uma terceira, que diz respeito à possibilidade de obter obras prontas sem participar diretamente desse processo criativo. Embora todas possam ser apresentadas como formas de democratização, elas representam transformações bastante diferentes.

Quando falamos em acesso, as transformações tecnológicas do último século trouxeram benefícios evidentes. Gravações, rádio, televisão, internet e plataformas digitais permitiram que obras alcançassem públicos que antes jamais teriam contato com elas.

Poucas pessoas defenderiam um retorno a um mundo em que a música dependesse exclusivamente da presença física dos músicos ou em que determinadas obras permanecessem acessíveis apenas a um pequeno grupo de pessoas.

Como músico e educador, sempre enxerguei esse movimento como algo positivo. Grande parte da minha trajetória foi construída justamente em torno da ideia de aproximar mais pessoas da música e de ampliar o acesso ao conhecimento musical. Minha preocupação não está na democratização do acesso.

O que me faz refletir é outra narrativa que costuma acompanhar essas tecnologias: a de que elas democratizam a criação musical. Essa afirmação pode significar coisas bastante diferentes.

Existe um sentido em que ela é verdadeira. Ampliar o acesso ao conhecimento musical, às ferramentas de criação e às oportunidades de desenvolvimento criativo é algo que considero profundamente positivo. Como músico e educador, é exatamente esse tipo de democratização que procuro incentivar. O problema aparece quando passamos a usar a mesma expressão para descrever a obtenção de resultados sem que esse processo de desenvolvimento aconteça. Aprender a criar e obter uma obra pronta não representam a mesma transformação.

No modelo proposto por muitas dessas plataformas, o usuário não aprende composição, não desenvolve uma linguagem nem passa a dominar os meios de realização daquilo que imagina. Sua participação consiste principalmente em descrever o resultado desejado para que um sistema produza grande parte das decisões necessárias.

Compor uma música significa tomar centenas ou milhares de decisões. Melodia, harmonia, ritmo, forma, arranjo e inúmeras outras escolhas fazem parte da construção da obra. Depois da composição, ainda existem outras camadas de decisão durante a interpretação, a gravação e as diferentes etapas da pós-produção. Em cada uma delas, pessoas fazem escolhas que influenciam o resultado final.

É aí que, para mim, está a diferença. Ferramentas sempre participaram da realização de obras artísticas e podem ampliar enormemente as possibilidades de criação. O que muda agora é o lugar onde permanecem as principais decisões criativas. Quando elas deixam de ser tomadas pelo autor e passam a ser delegadas ao sistema, a natureza da atividade também muda.

Obras São Tempo de Vida Transformado em Forma

Quando penso em uma composição, especialmente em obras de maior fôlego, tenho dificuldade em enxergá-la apenas como uma sequência de sons organizados no tempo.

Uma composição representa escolhas, anos de estudo, referências acumuladas ao longo da vida, experiências, influências, erros, descobertas e preferências desenvolvidas lentamente ao longo de décadas. Aquilo que ouvimos é apenas a superfície visível de um processo muito maior.

Por trás de cada obra existe uma quantidade de vida investida para que ela pudesse existir daquela forma específica. Não apenas as horas diretamente dedicadas à sua criação, mas também os anos necessários para desenvolver os conhecimentos, sensibilidades e habilidades que tornaram aquela criação possível.

Uma obra artística é, de certa forma, uma materialização de tempo de vida.

Quando ouvimos uma composição, lemos um romance, vemos um filme ou observamos uma pintura, estamos diante do resultado visível de uma trajetória.

A obra funciona como evidência daquele percurso.

Durante séculos essa relação foi relativamente estável. Produzir mais obras exigia mais tempo humano, ampliar a produção exigia mais artistas e expandir o repertório exigia mais pessoas dedicando suas vidas ao desenvolvimento de determinadas habilidades. É essa relação que começa a ser questionada.

Quando o Resultado Se Separa do Processo

Hoje é possível gerar músicas em segundos.

O centro dessa discussão está na relação entre resultado e processo.

Durante muito tempo, eles estiveram profundamente conectados. Uma obra existia porque alguém havia percorrido o caminho necessário para produzi-la. O resultado era inseparável dos anos de estudo, das experiências acumuladas, das habilidades desenvolvidas e do tempo investido em sua realização.

Agora essa relação começa a mudar. A música continua existindo. A imagem continua existindo. O texto continua existindo. O que deixa de ser necessário é o mesmo processo que historicamente tornava essas obras possíveis.

Estamos diante de uma transformação diferente das anteriores. As tecnologias de reprodução alteraram a forma como as obras circulavam. As tecnologias atuais começam a alterar também a forma como elas são produzidas.

Isso não significa que seja a primeira vez que a tecnologia altera a relação entre habilidade e resultado. Na música, tecnologia e criação sempre caminharam juntas. A própria evolução dos instrumentos musicais transformou continuamente aquilo que era possível tocar, compor e imaginar.

O desenvolvimento de instrumentos de metal com válvulas ampliou enormemente as possibilidades dos metais. O piano expandiu recursos inexistentes em instrumentos de teclado anteriores. A eletrificação, a amplificação, a gravação multipista, os sintetizadores e, mais recentemente, as ferramentas digitais abriram novas possibilidades estéticas e modificaram a maneira como músicos trabalham.

Em muitos casos, a tecnologia simplifica procedimentos, desloca etapas do processo, amplia capacidades humanas ou permite realizar ideias que antes eram inviáveis. Recursos como o Auto-Tune e o Melodyne, por exemplo, também alteraram a relação entre habilidade e resultado ao possibilitar correções de afinação durante a pós-produção que antes precisavam ser resolvidas durante a performance.

A tecnologia frequentemente desloca etapas do processo para outros momentos, simplifica procedimentos, transfere parte do trabalho para ferramentas e, em alguns casos, passa a compensar habilidades que antes precisavam estar presentes nas pessoas.

Ainda assim, na maior parte desses casos, a criação permanecia ligada a pessoas desenvolvendo conhecimentos específicos, tomando decisões estéticas e realizando o trabalho necessário para transformar ideias em obras.

A diferença, hoje, está na amplitude dessa transferência. Não estamos apenas automatizando etapas da execução ou da produção. Estamos começando a automatizar partes do próprio processo criativo.

O Valor do Caminho Percorrido

Se a questão passa pela relação entre processo e resultado, ela também passa pelo valor que atribuímos ao caminho percorrido para criar. No meu caso, esse caminho orientou algumas das escolhas mais importantes da minha vida.

Passei boa parte da minha vida organizando minhas escolhas em torno da música. Há quinze anos deixei o Brasil para estudar nos Estados Unidos porque acreditava que determinadas experiências, pessoas e oportunidades me ajudariam a me tornar o compositor que eu queria ser.

Vieram o mestrado, o doutorado, milhares de horas dedicadas ao estudo, à composição, aos ensaios, às gravações e a tantas outras atividades que fazem parte da formação de um compositor, além de uma sucessão de decisões que, vistas de fora, nem sempre pareciam as mais lógicas.

Muitas delas certamente não eram as mais confortáveis. Deixar a família para trás, construir uma vida em outro idioma, recomeçar em outro país e apostar numa área em que a estabilidade financeira nunca foi exatamente uma promessa.

Ainda assim, aquelas escolhas faziam sentido porque havia algo que eu considerava valioso do outro lado: a possibilidade de desenvolver uma linguagem artística própria, criar algo singular, ouvir minhas músicas sendo interpretadas por grandes orquestras, trabalhar com músicos extraordinários e participar de uma tradição artística que admirava muito antes de fazer parte dela.

Conversando com Chick Corea durante a passagem de som para a gravação do especial Jazz and the Philharmonic, no Adrienne Arsht Center, Miami. (2013)

Mais tarde, quando me mudei para Nova York, havia um motivo muito claro para essa escolha: a possibilidade de participar de um ecossistema muito específico de músicos, compositores e artistas. Queria poder estar presente em ensaios, leituras, concertos, workshops e outras situações que dificilmente fariam parte da minha rotina se eu estivesse em outro lugar.

Skyline de Manhattan ao nascer do sol, visto de Jersey City.

Muitas das oportunidades que mais marcaram minha trajetória nasceram justamente dessa possibilidade de participação. Algumas vieram de performances e gravações. Outras surgiram de encontros, conversas, colaborações e relações construídas ao longo dos anos com pessoas que eu provavelmente nunca teria conhecido se não tivesse feito essa escolha.

Concerto com a New York Jazz Composers Mosaic no DiMenna Center for Classical Music, Nova York. (2018)

Com os músicos da New York Jazz Composers Mosaic após o concerto no DiMenna Center for Classical Music. (2019)

Ao longo desse percurso, desenvolvi também um interesse crescente por gravação e produção musical. Quem trabalha com grandes formações sabe que apresentações e gravações desse tipo raramente acontecem por acaso. Reunir dezenas de músicos, ensaiar repertórios complexos e colocar uma obra de pé exige recursos, coordenação e tempo.

Muitas vezes eu sabia que determinados momentos eram irrepetíveis: uma leitura de orquestra, uma estreia, uma sessão de gravação ou o encontro específico entre determinados músicos. Aprender a registrá-los tornou-se uma forma de preservar algo que dificilmente aconteceria novamente da mesma maneira.

→ Continue lendo: O Que os Ensaios Me Ensinaram Sobre Fazer Música

Ensaio e sessão de gravação do Chamber Project no Bunker Studio, Brooklyn. (2023)

Com o Chamber Project após ensaio e sessão de gravação do projeto Forró Sem Palavras, no Bunker Studio, Brooklyn. (2023)

As discussões atuais sobre inteligência artificial têm me levado a pensar muito sobre valor, para além da tecnologia em si. Grande parte da minha vida foi construída em torno da ideia de que certas experiências importavam justamente por sua raridade, porque exigiam dedicação, conhecimento, coordenação e tempo humano para existir.

Me pergunto como teria tomado essas mesmas decisões se tivesse crescido em um mundo onde todo esse percurso fosse considerado irrelevante. Se aprender, praticar, desenvolver uma habilidade e dedicar anos a uma atividade artística fossem vistos apenas como etapas dispensáveis entre uma intenção e um resultado.

Foi esse conjunto de escolhas que tornou possível a vida profissional que construí.

→ Continue lendo: O Papel do Compositor na Realização de uma Visão Artística

O Que Acontece Quando o Valor da Criação Muda?

Existe um aspecto dessa discussão que raramente aparece. Quando falamos sobre arte, costuma existir uma expectativa implícita de que artistas criam apenas por amor à arte, como se reconhecimento, carreira, remuneração e prestígio fossem preocupações menores ou até mesmo inadequadas. Mas isso nunca correspondeu à realidade.

Os grandes artistas que admiramos não queriam apenas criar. Queriam ser ouvidos, lidos, apresentados e construir uma vida em torno daquela atividade. Queriam reconhecimento, relevância e a possibilidade de que a dedicação investida em suas trajetórias encontrasse algum retorno.

Isso não diminui o valor da arte. Faz parte da condição humana.

A maioria das profissões artísticas sempre envolveu um acordo implícito. Quem escolhia esse caminho geralmente aceitava maior instabilidade financeira, trajetórias mais incertas e perspectivas econômicas menos previsíveis do que outras carreiras. Em troca, existiam outras formas de recompensa: reconhecimento, prestígio, admiração, status cultural, a possibilidade de produzir algo singular, ocupar uma posição valorizada dentro da cultura e, em alguns casos, construir uma vida confortável em torno daquilo que se ama fazer.

A redução do valor econômico da criação artística já seria, por si só, uma transformação importante. Mas existe também a possibilidade de que o próprio fazer artístico passe a perder parte de seu valor simbólico. Essa mudança merece atenção porque essas duas formas de valorização nem sempre caminham juntas.

Mesmo em períodos em que a arte pagava mal, continuava existindo uma valorização cultural associada ao ato de criar. Compositores eram admirados por compor, escritores por escrever, instrumentistas por tocar e pintores por pintar. A raridade fazia parte do valor atribuído a essas atividades. Quando essa percepção muda, não estamos apenas alterando mercados. Estamos alterando sistemas de incentivos.

O Que Acontece Com os Incentivos?

Um grande solista não é admirado apenas pelo resultado que produz. Ele é admirado porque consegue fazer algo que poucas pessoas conseguem fazer. O mesmo vale para compositores, escritores, artistas visuais, cientistas, atletas e tantas outras áreas da atividade humana.

Existe um desejo profundamente humano de desenvolver capacidades raras, criar algo singular e ser reconhecido por isso. Não se trata apenas de expressão pessoal. Ambição, reconhecimento, prestígio e admiração também fazem parte das razões que levam pessoas a dedicar décadas ao desenvolvimento de uma habilidade.

Escolher estudar música profissionalmente sempre foi uma aposta. Uma aposta de que valeria a pena investir milhares de horas no desenvolvimento de uma linguagem própria, construir algo que poucas pessoas seriam capazes de fazer e encontrar reconhecimento justamente por isso.

Durante séculos, a sociedade criou mecanismos de reconhecimento para pessoas cuja produção era percebida como singular. Nem sempre esses mecanismos foram justos ou distribuíram reconhecimento de maneira equilibrada, mas ajudavam a sustentar ecossistemas inteiros de criação, transmissão de conhecimento e desenvolvimento artístico.

A Pergunta Que Ficou

Poderia terminar este texto tentando prever como essas transformações irão remodelar a criação artística ou propondo alguma conclusão otimista sobre o futuro.

Prefiro voltar à pergunta que motivou esta reflexão.

O que acontece quando deixamos de valorizar o processo?

Essa é uma questão que continuará merecendo atenção nos próximos anos. Ela vai além daquilo que a inteligência artificial será capaz de criar. Diz respeito ao valor que continuaremos atribuindo ao tempo de vida, à dedicação e às capacidades humanas investidas na criação daquilo que consideramos especial. Diz respeito também ao quanto estaremos dispostos a consumir e valorizar obras que não sejam resultado de uma trajetória humana singular.

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Sobre o Autor

Rafael Piccolotto de Lima é compositor, arranjador, diretor musical e educador. Além de sua atuação artística, desenvolve atividades de ensino, mentoria e formação de músicos nas áreas de composição, arranjo, criatividade musical e desenvolvimento artístico.

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